2014년 4월 28일 월요일

심포지엄 : 유럽, 도시가 불타고 있다

Europe, the City Is Burning
2014.5.23 ~ 5.25



The symposium "Europe, the City Is Burning" addresses the most pressing questions arising from the profound shifts in urban social and political tectonics by bringing together historical and contemporary actors for a reevaluation of these discussions and practices.

Serving as a kickoff of the program, former participating artists are invited to be present in a joint conversation to revisit their works and reflect upon the question: What concepts of public/space are emerging in artistic practices today? Speakers include Ute Meta Bauer (Director of the Centre for Contemporary Art at the Nanyang Technological University, Singapore), Joshua Decter (author, critic, New York), Mark Dion (artist, New York), Suzana Milevska (endowed professor for Central and South Eastern European Art Histories at the Academy of Fine Arts, Vienna), Esther Shalev-Gerz (artist, Paris),Lawrence Weiner (artist, New York and Amsterdam).

Looking into the history of the program, the podium "1981ff.: Art in Public Space in Hamburg" looks into certain developments of the city of Hamburg and its implications for the program since 1981: How would the curators involved answer to what art in public space could be today in European cities such as Hamburg? Speakers include Achim Könneke (head of the Cultural Office of the City of Freiburg), Dirck Möllmann (curator of Art in Public Space, Graz), Nina Möntmann (professor and head of department of art theory and the history of ideas, Royal University College of Fine Arts, Stockholm), Britta Peters(curator, Hamburg), Stephan Schmidt-Wulffen (head of LikWi, Zeppelin University, Friedrichshafen), and Ute Vorkoeper (curator, Hamburg), chaired by Bettina Steinbrügge (Director of Kunstverein in Hamburg).

Recent civic movements with their social media solidarity, in cities such as Athens, Madrid, Cairo, Istanbul, New York, São Paulo, have radically changed the distance between "public" and "space" and reflect citizenship in recovering and reclaiming the city worldwide as a space for democracy: What does it mean for an activist/artistic practice today, and how can art be presented in urban spaces under such conditions? Speakers include Miguel Robles-Durán (assistant professor of urbanism, design strategies at Parsons The New School for Design, New York), Christoph Schäfer (artist, Hamburg), and Bige Örer(Director of Istanbul Biennale).

Until today Europe has often been thought to be the original site of modernity in many histories of the capitalist transition of non-Western cultures. The podium "Provincializing Hamburg?" inquires about global transcultural practices from different non-European places, and how it opens up postcolonial perspectives on Hamburg? Speakers include Diana Campbell Betancourt (artistic director of the Samdani Art Foundation, Dhaka), Cosmin Costinas (Director of Para/Site Art Space, Hong Kong), Marina Fokidis(Director of Kunsthalle Athens), Omer Krieger (curator of Under the Mountain: Festival of New Public Art, Jerusalem Season of Culture), Gabi Ngcobo (curator, Johannesburg), and Joanna Warsza (head of public program of MANIFESTA 10, St. Petersburg), chaired by Boris Buden (author, theoretician, Berlin).



Lawrence Weiner, draft for sculpture near Fischmarkt, 1989. © Lawrence Weiner



프로그램
2014.5.23 (금)
18:00 개막식 (독어/영어)
환영사 _ Martin Köttering (함부르크예술대학 총장)
<Stadtkuratorin Hamburg>개막사 _ 바바라 키슬러Barbara Kisseler 교수(Senator of Culture, Ministry of Culture of the Free and Hanseatic City of Hamburg).
<Stadtkuratorin Hamburg> 소개 _ Sophie Goltz (Artistic Director).

19:00 <우리는 연못의 오리가 아니다. 우리는 바다 위의 배다.> (영어)
발제 _ Lawrence Weiner (예술가, 뉴욕 및 암스테르담)
토론 _ Ute Meta Bauer (난양공과대학 현대미술센터 관장, 싱가포르).

21:00 리셉션

22:00 바 / 음악


2014.5.24 (토)
14:00 <파시즘에 맞선 순간> (영어)
발제 _ Esther Shalev-Gerz (예술가, 파리).
토론 _ Suzana Milevska (endowed professor for Central and South Eastern European Art Histories at the Academy of Fine Arts Vienna).

16:00 <Biological Research Station> (영어)
발제 _ Mark Dion (예술가, 뉴욕).
토론 _ Joshua Decter (작가, 비평가, 뉴욕).

18:00 <1981ff.: 함부르크 공공 공간의 예술Art in Public Space in Hamburg
토론 _ Achim Könneke (head of the Cultural Office of the City of Freiburg), Dirck Möllmann (curator of Art in Public Space, Graz), Nina Möntmann (professor and head of department of art theory and the history of ideas, Royal University College of Fine Arts, Stockholm), Britta Peters (curator, Hamburg), Stephan Schmidt-Wulffen (head of LikWi, Zeppelin University, Friedrichshafen), and Ute Vorkoeper (curator, Hamburg), chaired by Bettina Steinbrügge (Director of Kunstverein in Hamburg).


2014.5.25 (일)12:00 <유럽, 도시가 불타고 있다> (영어)
강의 _ Miguel Robles-Durán (assistant professor of urbanism, design strategies at Parsons The New School for Design, New York).

14:00 <Gezi Park Fiction> (영어)
발제 _ Christoph Schäfer (예술가, 함부르크).
토론 _ Bige Örer (이스탄불 비엔날레 감독).

16:00 <Provincializing Hamburg?>토론 _ Diana Campbell Betancourt (artistic director of the Samdani Art Foundation, Dhaka), Cosmin Costinas (Director of Para/Site Art Space, Hong Kong), Marina Fokidis (Director of Kunsthalle Athens), Omer Krieger (curator of Under the Mountain: Festival of New Public Art, Jerusalem Season of Culture), Gabi Ngcobo (curator, Johannesburg), and Joanna Warsza (head of public program of Manifesta 10, St. Petersburg),
사회 _ Boris Buden (author, theoretician, Berlin).




Stadtkuratorin Hamburg에 대하여
Stadtkuratorin Hamburg (curating public art of the city of Hamburg) is a project initiated by the city of Hamburg and a reorientation of the program Kunst im öffentlichen Raum (art in public space), which was launched by the city in 1981.

Sophie Goltz was appointed as artistic director of Stadtkuratorin Hamburg for 2014 and 2015. The initial project celebrates its opening with a symposium that is organized in cooperation with the University of Fine Arts in Hamburg.

The goal of the artistic and discursive activities of the Stadtkuratorin Hamburg program, which will unfold over the next two years, is set to begin from Hamburg but seeks to contribute to the international discourse on "European" and "Global" art and culture in urban spaces. This municipal curatorial project covers three areas: Activating explores and evaluates the history of already existing works of art in the urban space of Hamburg under the conditions of a transcultural art history. Curating examines material and performative strategies of contemporary art: What art is necessary and appropriate in times of the erosion of public democratic spaces through the influence of private interests and increasingly rebellious cities? Educating initiates cooperative projects on theoretical and practical spatial thinking and learning.

The program titled "Wir sind keine Enten auf dem Teich. Wir sind Schiffe auf dem Meer." (We are not ducks on a pond. We are ships at sea.) will address and produce connections between the city, art, and politics that contrast with a traditional Western reading. Concepts such as "urban" and "public" are viewed from an expanded perspective: How is urban space subdivided by politics and by the senses? By what mechanisms and under what conditions is a public sphere created and what exactly becomes "public?" The program's title is a quotation of a work by the American artist Lawrence Weiner from 1989, realized as part of Hamburg Projekte 1989 (Hamburg projects 1989). International artistic positions and discussions of art in urban spaces are tied to the specific past and present of such works of art in Hamburg.




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정서연

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빈예술대학 총서 제12,13권 출판기념회

Book launch of Vols. 12 and 13 of the Publication Series of the Academy of Fine Arts Vienna

2014.5.5. 18:30 ~ 20:30
빈예술대학 (오스트리아 빈)



Occasion for the event is the re-launch of the Academy's Publication Series with a new publishing house, namely Sternberg Press - and the arrival of the first two volumes with Sternberg. The volumes in the series comprise collected contributions on subjects that are the focus of discourse in terms of art theory, cultural studies, art history, and research at the Academy of Fine Arts Vienna and form the quintessence of international study and discussion taking place in the respective fields. Each volume is published in the form of an anthology edited by staff members of the Academy of Fine Arts Vienna. Authors of high international repute are invited to write contributions dealing with the respective areas of emphasis. Research activities such as international conferences, lecture series, institute-specific research focuses, or research projects serve as the points of departure for the individual volumes.



총서는 빈예술대학
The publication series is edited by the Rectorate of the Academy of Fine Arts Vienna, Eva Blimlinger, Andrea B. Braidt and Karin Riegler.



환영사
Vice-Rector for Art and Research, Andrea B. Braidt


발표1
총서 12권 : 편집자를 대표해 "Model House Research Group"

발표2
총서 13권 : 편집자

퍼포먼스
라이로 나인Lilo Nein






Model House Research Group(편)
Transcultural Modernisms.빈예술대학 총서 제12권 / Sternberg Press(베를린), 2013 




Authors: Fahim Amir, Zvi Efrat, Eva Egermann, Nádia Farage, Gabu Heindl, Moira Hille, Rob Imrie, Monica Juneja, Christian Kravagna, Christina Linortner, Duanfang Lu, Marion von Osten, Anoma Pieris,Vikramāditya Prakāsh, Susan Schweik, Felicity D. Scott, Chunlan Zhao

Transcultural Modernisms is based on the findings of an interdisciplinary research project with focus on modernist architectural projects realized in the era of decolonization. It maps out the network of encounters, transnational influences, and local appropriations of an architectural modernity manifested in various ways in housing projects in India, Israel, Morocco, and China that served as exemplary standard models, not only for Western societies. The emphasis in Transcultural Modernisms is on the exchanges and interrelations among international and local actors and concepts, a perspective in which "modernity" is not passively received, but is a concept in circulation, moving in several different directions at once, subject to constant renegotiation and reinterpretation. Modernism is not presented as a universalist and/or European project, but as marked by cultural transfers and their global localization and translation.




Carola Dertnig, Felicitas Thun-Hohenstein(편)
Performing the Sentence Research and Teaching in Performative Fine Arts. 

빈예술대학 총서 제13권 / Sternberg Press(베를린), 2014 




Authors: Philip Auslander, Sabeth Buchmann, Margarit von Büren, Barbara Clausen, Carola Dertnig, Andrea Fraser, Sabine Gebhardt Fink, Simone Forti, Sabina Holzer, Amelia Jones, Carrie Lambert-Beatty, Marie-Luise Lange, Suzana Milevska, Lilo Nein, Susanne Neuburger, Yvonne Rainer, Constanze Ruhm, Dietmar Schwärzler, Stefanie Seibold, Felicitas Thun-Hohenstein, Mechtild Widrich, Martha Wilson

Performing the Sentence brings into dialogue the ways that "performative thinking" has developed in different national and institutional contexts, within different disciplines in the arts, and the conditions under which it has devel- oped in experimental art schools. The anthology collects 21 essays and conver- sations that weave in and out of the two key areas of research and teaching within performative fine art. They bring to light the conventions involved in the production, presentation, reception and historicization of performance art, as well as the specific cultural and political implications. The various contributions also show how these conventions are produced through or within each artwork, independent from their specific contexts, offering ways of thinking beyond their usual frames of reference. At the same time they recognize the substantial work carried out by artists, critics, and theorists who have built the meanings, references, and implications since the beginning of the "performative turn."





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정서연


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네온사인 홍콩

Mobile M+: NEONSIGNS.HK
2014.3.21 ~ 6.30
http://neonsigns.hk








The West Kowloon Cultural District Authority and M+, Hong Kong's new museum for visual culture, are pleased to present Mobile M+: NEONSIGNS.HK. The seventh in the Mobile M+ series of nomadic projects presented in the lead-up to the completion of the M+ building in late 2017, NEONSIGNS.HK is an online-offline, interactive exhibition dedicated to exploring, mapping and documenting Hong Kong's neon signs—one of the most salient, yet under-researched, features of the city's streetscapes. Incorporating an ambitious crowd-sourced "Neon Map" of the city, NEONSIGNS.HK is also the museum's first web-based initiative.

Until 30 June, the NEONSIGNS.HK website will be continuously updated with new content—including essays, slideshows, videos and timelines—to investigate Hong Kong's neon signs from the perspectives of craft and industry, design and typography, urbanism, cinema, visual art, literature and popular culture, within both local and global frameworks.

Neon signs are fast-disappearing from Hong Kong's urban landscape. And as part of its multidisciplinary, visual culture scope, encompassing 20th- and 21st-century visual art, design and architecture, and moving image, M+ has begun acquiring significant examples of otherwise-threatened Hong Kong neon signs for its permanent collection. To date, these include the Sammy's Kitchen neon cow (c. 1977) and Kai Kee Mahjong Parlour rooster (c. 1976) from the Sai Ying Pun and Kwun Tong districts, respectively.

In this regard, NEONSIGNS.HK is also a public call to action. NEONSIGNS.HK features a crowd-sourced Neon Map through which the public is being invited to post images and stories of neon signs from throughout Hong Kong, in an effort to identify the signs that remain. Accompanying the public submissions are a range of newly commissioned, neon-specific online works—texts, photographs, or videos—by leading Hong Kong cultural figures including artist-designer Stanley Wong (a.k.a. anothermountainman), writer Lolita Hu, and photographer Wing Shya, alongside a video interview with cinematographer Christopher Doyle, best known for his work with director Wong Kar Wai.

Offline, Mobile M+: NEONSIGNS.HK offers a range of public programmes including a series of photography, children's and elderly workshops offering creative ways to engage with Hong Kong's neon signs; night bus tours examining neon signs from the perspectives of advertising and urban history and a special tour for the visually impaired; audio walks of downloadable tracks created by electronic musician Choi Sai-ho, poet Liu Wai-tong, storyteller Yuen Che-hung and sound artist Cedric Maridet; and a public talk about neon signs as an entry point for the multidisciplinary study of visual culture.

Mobile M+: NEONSIGNS.HK is organized by an M+ curatorial team led by Aric Chen (Curator, Design and Architecture), Tobias Berger (Curator, Visual Art), and Stella Fong (Curator, Learning and Interpretation). The web design and development is by Pill & Pillow, with visual identity by Gardens & Co.


M+ is the new museum for visual culture in Hong Kong, as a part of the West Kowloon Cultural District, encompassing 20th- and 21st-century art, design and architecture and the moving image from Hong Kong, China, Asia and beyond. Mobile M+ is the museum's nomadic exhibition programme, which aims to engage the public ahead of the opening of the museum, scheduled for completion in late 2017.

The West Kowloon Cultural District is one of the largest cultural developments worldwide. Its vision is to create a vibrant cultural quarter for the city, a vital platform for the local arts scene to interact, develop and collaborate, and major facilities to host and produce world-class exhibitions, performances and arts and cultural events. It will provide 23 hectares of public open space including ample green space, a green avenue and a harbourfront promenade, and will be closely connected with the neighbourhood.






About “Mobile M+: NEONSIGNS.HK”
Presented by M+, Hong Kong’s museum for visual culture, NEONSIGNS.HK is an interactive, online exhibition dedicated to exploring, mapping and documenting Hong Kong’s neon signs. The seventh in the Mobile M+ exhibition series, NEONSIGNS.HK invites the public to post images and stories of their favourite neon signs to its Neon Map, and to rediscover these compelling features of the city’s streetscapes from the perspectives of design and urbanism, visual art, cinema, literature and popular culture.

From 21 March to 30 June, 2014, the NEONSIGNS.HK website will be actively updated with new content, ranging from essays and slideshows to videos, specially-commissioned projects and news about offline tours, talks and workshops. M+ has begun acquiring, for its permanent collection, notable Hong Kong neon signs that are otherwise at risk of being lost. As such, the aim of NEONSIGNS.HK is to enhance the understanding of these fast-disappearing and under-researched fixtures of the city’s urban landscape, while eliciting the public’s help in identifying and contributing knowledge about the neon signs that remain.




About M+
M+ is the new museum for visual culture in Hong Kong, as part of the West Kowloon Cultural District, encompassing 20th and 21st century art, design and architecture, and the moving image from Hong Kong, China, Asia and beyond.

From its vantage point in one of the world’s most dynamic regions, M+ seeks, through its exhibitions, programming and permanent collection, to document the past, inform the present and contribute to the future of visual culture within an ever more interconnected global landscape. With the ultimate aim of exploring new ways of seeing, the museum takes a multidisciplinary approach that both challenges and respects existing boundaries while creating a meeting point for a diversity of perspectives, narratives and audiences.

M+ has already embarked on a number of public programmes and exhibitions, and has begun to assemble its permanent collection, in the run-up to the planned 2017 opening of its 60,000 square-metre building, designed by Herzog & de Meuron with TFP Farrells and Ove Arup & Partners HK, overlooking Victoria Harbour. 




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2014년 4월 26일 토요일

제네랄리 재단 콜렉션 전시회

Proudly Presenting : Generali Foundation Collection

2014.4.26 ~ 10.12

잘츠부르크 현대미술관 (오스트리아)






제나랄리 재단은 국제적으로 호평받는 자신의 콜렉션들을 잘부르츠 현대미술관에 영구임대방식으로 위탁해오고 있다. 이번 첫 전시회는 선정된 예술가 200명의 총 2100여 작품을 공개해 이 이름난 콜렉션의 특징 몇몇을 파악하는데 도움을 줄 것이다.

작업들의 중심 테마는 미술, 디자인, 건축이 형태적으로 통합되어있을 뿐 아니라 유토피아에 대한 비평성을 담고 있고 있는 대상들로 구성된다. 브루노 지론콜리Bruno Gironcoli의 남근 조각, 댄 그레이엄Dan Graham의 유리 파빌리온, 한스 홀라인Hans Hollein의 'Mobile Office'(1969), 고든 마타 클락Gordon Matta-Clack의 유기된 건물에 개입한 작품interventions, 발터 피클러Walter Pichler의 'TV-햄릿'(1967)은 그동안 이런 주제에 관한 대표작으로 꼽혀왔다.

1960년대 이래 신기술과 미디어에 관해 높은 기대가 있어왔으며, 그로 인해 수 많은 작업들은 이들이 사람들에 미치는 효과에 관해 연구해왔다. 이런 주제와 씨름한 대표적인 작품으로는 발리 익스포트VALIE EXPORT의 "여성주의-행동주의"적인 "확장 영화"작업들, 특히 그녀의 <TAPP- und TASTKINO>(1968)와 하룬 파로키Harun Farocki의 비디오 설치가 있다.

또한 젊은 세대 예술가의 작업들 역시 이런 주제에 관한 논쟁에 기여해왔다. 산자 이베코빅Sanja Iveković의 포토 콜라주, 마사 로즐러Martha Rosler의 뉴욕 바워리가에 관한 사진-텍스트-설치 작업, 세큘러의 영화적 사진 에세이처럼 콜렉션의 많은 작업들은 미디어 비평과 함께 (예술가이자 작가인 앨런 세큘라Allan Sekula의)  "정상성에 저항하는 사진photography against the grain"이란 주제를 다루고 있다.

몇 년 전 한 헤드라인은 제네랄리 재단을 두고 "제도 비판의 기관Institution for Institutional Critique"이라고 표현했다. 정말 그 말대로 콜렉션에는 예술의 조건에 초점을 맞추고 우리가 예술에서 진정 원하는 것이 무엇인지 묻는 작업들이 포함되어있다. 한스 하케Hans Haacke의 초기작 'Condensation Cube'(1965)는 방문객들이 어떻게 예술작업에 영향을 미쳐왔는지를 시각화했다. 아드리안 파이퍼Adrian Piper는 예술계의 헤게모니와 고정관념에 대해 중재하고 있으며 앤드리아 프레이져Andrea Fraser는 "미술관 투어"라는 퍼포먼스를 통해 미술관에서 일어나는 진짜 삶에 대해 익살적으로 소개하고 있다.

잘츠부르크 현대미술관은 새로이 공개되는 제네랄리 재단 콜렉션들을 뮌헤스베르크 빌딩 2층에서 일부씩 번갈아가며 전시할 계획이다. 이를 통해 미술관이 보유한 다른 광범위한 작품들과 대화를 나눌 수 있길 바란다.

이번 전시는 제네랄리 재단과 함께 잘츠부르크 현대미술관가 조직했다.



큐레이터 _ Sabine Breitwieser, Direktorin, mit Christina Penetsdorfer, Kuratorische Assistentin, 잘츠부르크현대미술관




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Boyhood(2014) 공식 트레일러

Boyhood Official Trailer (2014)



감독/각본 : 리차드 링클레이터Richard Linklater
출연: 패트리샤 아퀘트Patricia Arquette, 엘라 콜트레인Ellar Coltrane, 에단 호크Ethan Hawke 


리차드 링클레이터 감독이 지난 2002년에 6살 짜리 소년을 캐스팅해, 12년 동안 촬영한 영화 <보이후드>가 오는 2014년 7월 11일 개봉한다.





2014년 4월 25일 금요일

신간 : 디지털의 고고학

Our first digital publication series

: Archaeology of the Digital



<디지털의 고고학>전(2013)에 전시된 대부분의 작품은 굳건한 물질적 기반을 갖추고 있는데(예를 들어 스케치, 인쇄물, 사진, 모형), 디지털 파일 대부분은 유실되었거나 접근불가라는 사실이 드러났다. 하지만 우리는 건축의 개념화, 시각화, 제작을 위한 디지털 툴의 기원과 확립을 연구한 3년 간의 리서치 프로그램에서 그간 기록된 스물다섯 개의 프로젝트를 어떻게 전시하고 어떻게 접근할지에 대해 새로이 도전해왔다.

지난 전시에 동반된 출판물의 발행을 통해, 문제는 "이들 프로젝트에서 탄생한 디지털 자료가 어떻게 전파될 수 있는가? 어떻게 이런 경험이 향상될 수 있는가?"였다. 우리는 디지털 자료의 특성에 주목하는 동시에 많은 사람들이 읽을 수 있게 <디지털의 고고학>을 전자출판하기로 결심했다. 각 프로젝트에 관한 디지털 논문은 월간 연재된다.

각 논문에는 연작물 편집자 그렉 린Greg Lynn과 프로젝트에서 다루는 각 건축가와의 대담이 실려있다. 이는 처음으로 디지털 파일 형태로 출판되어 건축 출판의 영역을 넓히고 있다.

이번 연작을 기획한 링크드 바이 에어 스튜디오(뉴욕)은 이렇게 말한다. "인터랙티브 슬라이드쇼와 비디오를 실었죠. 전자출판계에 있어 거의 유일한 혁신입니다. 매 호마다 사용자와 제작자와 관련한 전자출판기술의 영역을 계속해서 넓힐 것이며 연작에서 다룬 주제와 비교하는 과정을 발전시킬 겁니다."



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알렉산드라 게리스 - 대마

Alexandra Gelis, Weeds/Mala Hierba


전시
2014.4.4 ~ 28,  화-금  11:00~18:00



대담
2014.4.26 18:30 ~ 20:30
바비아 미술갤러리 Bavia Arts Gallery (토론토)





<Weeds>는 비디오와 전자적 요소를 가미한 몰입형 조각적 음향공간으로, 콜롬비아 성 바실리오 펠렝케의 마을에서 의약용/장례용으로 사용된 식물을 제재로 하고 있다. 이 마을은 식민시대에 노예들이 도망쳐 정착해 만든 첫 자유촌으로 알려져있으며, 세계문화유산으로 지정되어있다.

게리스는 토론토에 거주하는 콜롬비아-베네수엘라인 예술가다. 그녀는 뉴미디어, 설치, 사진, 맞춤제작한 인터랙티브 전자공학을 결합한 작품을 만든다. 그녀의 프로젝트는 사적인 현장연구를 도구로, 다양한 사회-정치적 개입들이 남긴 흔적들을 추적함으로써 다양한 풍경의 생태학을 조사하고 있다.



큐레이터_Sinara Rozo-Perdomo, Mariuxi Zambrano





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2014년 4월 24일 목요일

하늘땅바다 : 비디오아트 공간성의 재탐색

LANDSEASKY: revisiting spatiality in video art

2014.4.20. ~ 6.15.
OCT현대미술터미널 (상하이)






참여작가_Paul Bai, Lauren Brincat, Jan Dibbets, Barbara Campbell, Wang Gongxin, Shilpa Gupta, Zhu Jia, Yeondoo Jung, Derek Kreckler, Giovanni Ozzola, Joao Vasco Paiva, Wang Peng, Kimsooja, Craig Walsh, Sim Cheol-Woong, Heimo Zobernig, Yang Zhenzhong

큐레이터_Kim Machan

주최_OCAT(OCT현대미술터미널)상하이, MAAP(Media Art Asia Pacific)



OCAT상하이와 MAAP가<LANDSEASKY>전을 개최한다. 이번 단체전에는 국제적인 현대미술가 17명이 참여했으며 이들의 비디오 작업은 3개국에 걸쳐 전시된다. <LANDSEASKY>전은 MAAP의 비교문화적 교환에 대한 MAAP의 독창적인 접근을 보여준다. 호주, 아시아, 유럽의 예술가들이 함께 모여 공유된 주제에 대해 대화를 나눈다.

전시는 중국, 호주, 한국의 미술관과 갤러리에서 열리며, OCAT-현대미술터미널상하이에서는 4월 20일부터 열릴 예정이다.


© ARS, NY and DACS, London 2002

얀 디벳Jan Dibbets은 <관점 교정Perspective Corrections>(1968)으로 우리가 사진을 예술의 미디어로 생각하는 방식을 바꿨다. 그의 치밀하고 개념적인 접근은 또한 영화와 그의 분석적이며 규율적이고 환원적인 특별한 미학 정전canon을 연결하는 것으로 이해되고 있다. 출발점으로서 이들 작업은 풍경에 대한 매우 보편적인 이해를 이용한다. 페이지를 가르는 직선은 땅에서 하늘로의 혹은 바다에서 하늘로의 변화를 나타내며, 이런 재현을 공간적 효과와 관점에 대한 확장된 탐구로 변형시키는 데로 나아간다.

수평선의 보편성과 단순성이라는 전제가 이번 <LANDSEASKY>전의 Launch Point라 할 수 있다. 이번 전시를 위해 창작된 새 작업들은 여전히 유효한 네덜란드 개념미술가 얀 디벳의 1970년대 초반 비디오 아트 작업과 대화를 나누게 될 것이다.

이번 전시에는 디벳의 "수평선-바다 Horizon – Sea"(1971)연작  I, Ⅱ, Ⅲ이 처음으로 전시될 예정이다. 이들 작품은 총 7개의 영상으로 카메라를 이용해 스크린 공간을 평면화하고 추상화함으로써 우리가 수평선을 인식하는 방법을 다시 구성한다.

예술가들은 수평선을 숭고적인 방법으로 이용해 경탄할만한 비디오 작업들을 만들어왔다. 땅, 바다, 하늘 이미지가 갖는 한계는 예술가의 접근을 드러내는 시각적 요소들을 제한한다. 스크린 공간에 대한 예술가의 분석을 조각적이며 개념적인 속성을 지닌 이미지로 간주할 수 있느냐의 여부에 기본적인 학예적 관심이 향해있다. 이번 학예 프로젝트는 우리가 이미 스크린 문화에서 소비하고 있는 환상적인 요소에 도전장을 내밀고 있으며, 작품선정을 통해 각 예술가들이 학예적 경계의 제약을 어떻게 다루고 있는지 비교 및 대조함으로써 비디오의 미디어에 대한 초점을 분명하게 했다.

전시회는 비디오 아트의 형식을 통한 공간성에 대한 다양한 이해를 보여줌으로써 예술가들이 스크린 공간을 분석 대상으로 작업해왔다는 중요한 증거를 제출한다. 포스트모더니즘의 뒤를 이어 공간성의 개념에 초점을 맞춤으로서 이번 전시 프로젝트는 가상과 실제, 주체와 객체, 추상과 실재, 그리고 더 넓은 맥락이라 할 모더니티와 포스트모더니티와 같은 이분법을 재평가하려 한다.



MAAP에 대하여
MAAP는 호주와 아시아태평양지역의 미디어아트를 주로 다루는 세계적으로 유일한 조직이다.

MAAP는 특별 국제적 협력프로그램을 진행하고 있다. MAAP 스페이스는 호주, 아태지역의 미디어 아트를 다루는 정기적인 기획 전시 프로그램이다. MAAP 미디어 뱅크는 예술가에게 AV 대여 및 지원을 담당한다.

MAAP는 15년 넘게 호주와 해외의 국제적 파트너와 함께 수백여개의 프로젝트를 지원해왔고 만들어왔고 교류해왔고 협력해왔다. 우리의 타임라인에는 이 풍부한 프로젝트의 역사를 담은 스냅샷이 게시되어 있다.

MAAP는 화랑, 미술관, 공공기관과 공공미술 환경과 협력하고 있다. 함께한 기관은 다음과 같다. MOMA(뉴욕), 로이터 비디오 벽Reuters Video Wall(타임스퀘어), 중국국립미술관, 싱가포르미술관, 중화세기관China Millennium Monument Art Museum, 퀸스랜드미술관, 퀸스랜드주립도서관, 상하이도서관, 중국국립도서관.

또한 MAAP는 브리즈번을 기반으로, 퀸스랜드 지역 예술가들이 작업을 제작, 발표, 홍보하는데 있어 부족함이 없게 온 힘을 다하고 있다.



OCAT에 대하여
OCAT - OCT현대미술터미널은 샹닝미술관의 부서로 2005년에 유명한 예술사가이자 비평가인 후앙 좐Huang Zhuan에 의해 설립되었다. OCAT는 중국의 유일한 비영리현대예술단체로 국립미술관 소속이다.

프로젝트의 '적극적인 참여자'는 큐레이터 우 훙Wu Hung(시카고), 타테 큐레이터 마르코 다니엘Marko Daniel과 예술가 수이 지안꽈Sui Jianguo, 왕 구안기Wang Guangy, 왕 지안웨이Wang Jianwei, 쭈 지아Zhu Jia이다.

OCAT 상하이는 2년 전에 OCAT 선전Shenzhen의 상하이 지부로 쑤저우 지역에 설립되었다. 지난 9월 양 푸동Yang Fudong의 개인전 <Quote Out of Context>을 개막전으로, OCAT 상하이는 중국과 세계의 멀티-미디어 예술의 전시와 리서치를 담당하는 공간으로서 자율적인 활동을 공식적으로 시작했다.

2014년 4월 19일 토요일

미술글쟁이 지원프로그램 접수 시작

Arts Writers Grant Program

접수기간 _ 2014.4.16 ~ 5.21





크리에이티브 캐피탈The Creative Capital  | 워홀 재단Warhol Foundation Arts Writers Grant은 현대 시각미술에 관해 저술하는 글쟁이에게 개별 작가 연구 프로젝트를 수행할 보조금을 지원한다.

이런 유형의 최초 프로그램으로, 미술글쟁이가 재정적으로 불안정한 상황에 처했으며 이들이 생기 있는 예술 문화를 위해 없어서는 안 될 공헌을 하고 있다는 인식을 기반으로 설립되었다.

수상 분야는 아티클, 블로그, 책, 뉴미디어/대안미디어, 단문이며, 비전문 독자를 대상으로한 비평부터 학술적 글쓰기까지 현대시각예술에 대한 글쓰기의 넓은 스펙트럼 모두를 지원하려 한다. 보조금을 통해 주제나 프로젝트 유형과 상관 없이, 지원프로그램은 예술에 관한 글쓰기에 대해 시상하고 응원해 갈 것이다.




글쓰기 워크샵
WRITING WORKSHOP

글쓰기 워크샵은 뭔가요? 
"예술글쓰기 워크샵"은 미술글쟁이 지원프로그램과 국제예술비평협회/미국분회(AICA/USA)의 협력기획으로 활동 중인 글쟁이들에게 현업 예술비평가와의 일대일 메일과 전화 상담을 통해 작업을 튼튼하게 할 기회를 제공합니다.
워크샵은 참가자의 글쓰기 견본을 발판으로 표현력, 산문체, 조직적 구조, 논증 등 글쓰기 기술에 집중하여 면밀하게 관리해줍니다. 


워크샵엔 어떤 후보자가 적격인가요?
기술을 연마하고 설득력 있는 글을 쓰길 바라는 자격이 되는 모든 지원자로, 작품에 대해 묘사하고 질문하고, 복잡한 개념을 명료하게 써내며, 예술품을 자기만의 더 넓은 맥락에 위치시킬 수 있는 사람입니다.


참가자는 어떻게 뽑히나요?
먼저 보조금 지원서 작성시 워크샵 신청 여부에 체크하시고 워크샵을 통해 얻고자하는 목표를 써 내면 지원할 수 있습니다. (이 박스를 체크하면 지원서와 글쓰기 샘플이 워크샵에 참여하는 AICA 선배 비평가가 검토해도 좋다는 데 동의하는 셈입니다.)

워크샵 참가자는 함께 작업할 비평가들에 의해 선정되며, 워크샵 디렉터와 워크샵 참가로 가장 큰 이득을 얻을 만한 지원자를 찾아내는 지원프로그램 디렉터와 지원서 평가관의 추천을 거칩니다.


워크샵에 지원하면 보조금을 탈 기회에 영향을 주게 되나요?
워크샵에 흥미를 보였다고 해서 마지막 패널 리뷰에 진출할 기회, 보조금을 탈 기회 모두에 전혀 영향을 주지 않습니다. 




번역
정서연

원문출처




2014년 4월 18일 금요일

2014 이미지 페스티벌

Images Festival 2014


2014.4.10 ~ 19
토론토







1987년에 설립된 이미지 페스티벌(토론토)은 북미 최대의 실험적이고 독립적인 영상문화 축제로, 세계적인 동시대 미디어 아트의 첨단을 스크린 안팎에서 공개한다. 명성 있는 캐나다예술가를 비롯한 국제적인 예술가가 참여한 이번 페스티발에서는 영화film와 비디오를 상영하는 동시에, 10개가 넘는 지역 갤러리에서 획기적인 라이브 퍼포먼스와 미디어 아트 설치, 온라인 프로젝트 또한 선보인다. 작품들은 다음 세 전시 플랫폼으로 나뉜다. Images On Screen(필름/비디오 상영), Images Off Screen(갤러리 전시와 온라인 프로젝트), Live Images(여러 퍼포먼스).

2014 이미지 페스티벌은 토론토를 비롯해 차이나타운 센터 몰Chinatown Centre Mall의 새 "팝업" 갤러리와 주요 극장이라 할 온타리오 미술관Art Gallery of Ontario에서 20개가 넘는 현장에서 100여개의 프로젝트를 선보인다. 영회와 전시회를 비롯해 주최측은 예술가 대담, 포럼, 가이드 투어와 파티를 준비했다. 



Image Off Screen
장소 _ A Space Gallery, Gallery TPW, InterAccess, Mercer Union, Paul Petro Contemporary Art, XPACE, YYZ

참여 작가 _ Mathieu Kleyebe Abonnenc, Nurjahan Akhlaq, Bambitchell(Sharlene Bamboat + Alexis Mitchell), Ayesha Hameed, Richard Ibghy, Jesal Kapadia, Reena Katz, Marilou Lemmons, Maha Maamoun, P. Mansaram, Brian McCarthy, Naeem Mohaimen, Darryl Nepinak, pad.ma, Sarah Pierce, Lucy Raven, Aura Satz, Vivek Shraya & the Torontonians 등


Live Images필름/비디오 아티스트, 음악가와 공연자들이 미디어 기반의 화려한 라이브 퍼포먼스를 선보인다.

주요 볼거리는 앤드류 램퍼트Andrew Lampert의 <Making Space For More>로, 램퍼트가 'AGO's Frank 식당'에서 마이클 스노우의 라이브 음악 공연과 온타리오미술관의 아카이브로부터 sizable servings of sensory overload featuring works를 선보인다. 
또한 타쿠 우나미Taku Unami는 판지 상자의 실루엣을 이용한 그림자극 <The Curse of Vacancy>를 즉흥공연으로 선보인다. 
루시 레이븐Lucy Raven은 노동, 산업, 세계화와 우리가 보는 방법을 둘러싼 질문들 등 그녀의 현재 관심사들에 관한 강연 퍼포먼스<On Location>를 공연한다.


Images On Screen 형식적인 실험영화부터 혁신적인 다큐멘터리까지, 정치적인 영화, 여성주의 영화, 사회 문화의 쟁점을 다룬 영화 등 폭 넓은 종류의 100여개 작품들이 15개 상영관에서 10박에 걸쳐 상영된다.

참여 작가 _ CAMP, Duncan Campbell, Jennifer Chan, Inhan Cho, Jean Eustache, Eve Heller, Hiwa K, Brett Kashmere, Oliver Laric, Narimane Mari, Chris Marker, Jesse McLean, Rebecca Meyers, Sophie Michael, Beatriz Santiago Munoz, Otolith Group, Benjamin Pearson, Charlotte Pryce, Alain Resnais, Aykan Safoglu, Travis Shilling, Hito Steyerl, Vipin Vijay 등









번역
정서연

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더 읽을 거리

토론 : 예술학교가 예술을 죽이고 있나?


DEBATE: Is Art School Killing Art?

2014.4.13 오후 2시
Monarch Tav­ern – 12 Clin­ton St (토론토)

무료입장


Image by Daniel Clowes

2014 이미지페스티벌과 온타리오미디어아트네트워크(MANO/RAMO)에서는 호평받는 두 패널을 초대하여 예술학교를 통해 전문직이 되는 것professionalization의 함의와 영향에 대해 토론할 예정이다. 옥스포드 스타일로!


사회자_디애나 보엔Deanna Bowen

찬성팀_앤드류 램버트Andrew Lam­bert, 로스 맥라렌Ross McLaren ,완다 나니부쉬Wanda Nanibush

반대팀_오마르 에스트라다Omar Estrada, 파이즈 살린Paige Sar­lin, 킴 시몬 Kim Simon



공동기획_이미지페스티벌, MANO/RAMO, aluCine


번역
정서연

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